Felicidades!!!

¡¡¡MUY FELICES FIESTAS!!!



¡¡¡Un saludo para todos nuestros amigos!!!



y para todos los que nos acompañaron y apoyaron durante todo el año!!!!!!!!!!



que pasen muy lindo!!!!

Permaneceremos cerrados del 1 al 6 de enero



saludos!!!

Mercedes y Gustavo

Nueva y Última Muestra del Año en Marte!!!!!!!!!!

“ME RÍO DE LA PLATA”

Más de 100 artistas contemporáneos argentinos


Inauguración: sábado 6 de diciembre – 12 hs.

Del 6 de diciembre de 2008 al 31 de enero de 2009
De lunes a viernes de 14 a 18 hs – Sábados de 11 a 15 hs.


Esta muestra colectiva pretende ser una manera más de acercamiento, de romper fronteras, de generar vínculos, intercambios, diálogos críticos, tránsito, tráfico, conocimiento, diversión y por sobre todo amistad.

Algún día habrá libre tránsito de obras entre los países del MERCOSUR?????!!!!!!!


Artistas presentes en "Me Río de la Plata"

- Moira Aguirrezabal (Galería Jardín Oculto, Bs As)
- Pachu Arce (Santa Fé)
- Marco Bainella (Paraná)
- Perla Bajder (Bs As)
- Emilse Barbosa (La Loba Producciones, Córdoba)
- Dany Barreto (Bs As)
- Catalina Bartolomé (Bs As)
- Juan Batalla (Bs As)
- Adrián Bertol (La Loba Producciones, Córdoba)
- Laura Blumen (Bs As)
- May Borovinsky (Capital Federal)
- Mariana Brihuega (AR TÉ, Bs As)
- Natalia Cacchiarelli (Bs As)
- Pablo Caracuel (Oficina Proyectista, Bs As)
- Edgardo Castro (Bs As)
- Dana Catrilaf (Santa Cruz)
- Alejandro Cides (Córdoba)
- Cristina Coll (Oficina Proyectista, Bs As)
- Adriana Cora (Bs As)
- Cotelito (Galería Jardín Oculto, Bs As)
- Juan De Cicco (Bs As)
- María Virginia de la Puente (Santa Fé)
- Mariana De Matteis (Santa Fé)
- Gustavo Deveze (AR TÉ, Bs As)
- Emanuel Díaz (Galería de Arte Nómade, Comodoro Rivadavia)
- Mercedes Dutro (Galería de Arte Nómade, Comodoro Rivadavia)
- Amelia Eguía (Galería Jardín Oculto, Bs As)
- Andrea Fasani (Oficina Proyectista, Bs As)
- Alejandro Ferrazzano (Bs As)
- Mercedes Fidanza (Oficina Proyectista, Bs As
- Marisol Fondovilla (Oficina Proyectista, Bs As)
- Muriel Frega (AR TÉ, Bs As)
- Sebastián Freire (Bs As)
- Santiago Gasquet (Bs As)
- Teresa Giarcovich (Bs As)
- Alejandro Gigli (Lanus, Provincia de Bs As)
- Gabriela Giusti (Bs As)
- Luciano Giusti (Bs As)
- Claudia Graziano (Bs As)
- Vera Grión (Capital Federal)
- Margarita Hand (Bs As)
- Amelia Herrero (Bs As)
- Ángel Hiyakawa (La Loba Producciones, Córdoba)
- Agustín Huarte (Bs As)
- Delia Ana Iglesias (Lanus, Provincia de Bs As)
- María Julia Iglesias (Galería de Arte Nómade, Comodoro Rivadavia)
- Federico Lanzi (Galería Jardín Oculto, Bs As)
- Marcelo Lichtensztejn (Familia Taschen, Bs As)
- Lucas López (Provincia de Bs As)
- Triana Lopez (Bs As)
- Lucía Luna (Bs As)
- Mariano Luna (Galería Jardín Oculto, Bs As)
- Eric Martinet (Bs As)
- María Celia Martínez (Bs As)
- Dolores May (Acassusso, Provincia de Bs As)
- Gaby Messuti (Bs As)
- Isis Milanese (Rosario, Provincia de Bs As)
- Cristina Morales (Galería de Arte Nómade, Comodoro Rivadavia)
- Filiberto Mugniani (Oficina Proyectista, Bs As)
- Ester Nazarian (Bs As)
- Sonia Neuburger (Oficina Proyectista, Bs As)
- Roberto Padilla (Bs As)
- Juan Paz (por La Loba Producciones, Córdoba y por Galería Jardín Oculto, Bs As)
- Agustina Pesci (La Loba Producciones, Córdoba)
- Paula Pogranizky (Bs As)
- Marcela Rapallo (Oficina Proyectista, Bs As)
- Juan Ignacio Reos (Galería Jardín Oculto, Bs As)
- Eugenia Requeira (Familia Taschen, Bs As)
- Gustavo Daniel Rios (Lanus, Provincia de Bs As)
- Esteban Rivero (Bs As)
- María Fernanda Rodrigo (Oficina Proyectista, Bs As)
- Claudio Roncoli (Bs As)
- Carlos Rottgardt (Oficina Proyectista, Bs As)
- Marisol San Jorge (La Loba Producciones, Córdoba)
- Mariela Scafati (Bs As)
- Irene Serra (AR TÉ, Bs As)
- Daniel Soria (Familia Taschen, Bs As)
- Leandro Torres (Familia Taschen, Bs As)
- Lorena Vázquez (Bs As)
- Yudith Villamayor (Bs As)
- Federico Villarino (Galería Jardín Oculto, Bs As)
- Yaguaretes (Judith Villamayor y Agustín Huarte, Bs As)
- Rosario Zorraquín (Galería Jardín Oculto, Bs As)
- Josefina Zuain (Bs As)

Estamos muy contentos y felices DE PODER REALIZAR ESTA MUESTRA !!!!

Fotos a la brevedad (lo prometemos...)
y... más de 100 artistas es un decir, jaja!!!

Felices Fiestas!!!!
Muchas gracias
Mercedes y Gustavo

Mejor tarde que nunca!!!

TARDE DE LANCHITAS EN EL PARQUE RODÓ

UNA LANCHA UN ARTISTA

26 ARTISTAS / 26 LANCHAS

15 DE NOVIEMBRE - 2008

LAGO DEL PARQUE RODÓ


Vista del lago del Parque Rodó con Lanchitas pintadas

Lanchitas pintadas

Organizadoras Julia y Melina


Más Lanchitas

Lanchita de Mercedes


Lanchita de Gustavo

MyG

En el lago

Viendo toque desde Lanchita


Lanchita de Gus

Gallito del Lago

Estuvo buenísimo!!!!

No se pierdan de ir a dar un paseo en Lanchita!!!

Cuerpo en Marte Upmarket!!!

SALERNO + SPINOSA + VIGNOLO

Pila de gracias a los que vinieron a la inauguración y a los que nos apoyaron y ayudaron para poder realizar esta muestra que salió GENIAL!!!

Fachada de Marte Upmarket

Gustavo Tabares y Osvaldo Salerno

Reflejo de Osvaldo

Artista paraguayo Ricardo Migliorisi colaborando en el montaje de Osvaldo Salerno

Visita de Marina De Caro, artista y curadora Argentina, durante el montaje de Cuerpo

Cecilia Vignolo y Rulfo (Raúl Álvarez)

Oscar y Nicolás Spinosa


Gabriel Lema y Osvaldo Salerno

Cecilia Mattos


Nelson Mancebo y Patricia Bentancur

Fermín Hontou, Pedro Da Cruz y Mario Sagradini

Osvaldo Salerno, Mónica Sosa, Chumbo, Mónica Packer y Águeda Di Cancro

Ricardo Migliorisi y Walter Cancela

Mario Sagradini y Gabriel Peluffo


Clemente Padín, artista español Ángel Pastor y su esposa.

Gustavo Tabares, Mercedes Bustelo y Yudi Yudoyoko


Diego Focaccio, Alejandro Schmidt y Manuel Neves

SÚPER!!!!!!!!!!!!!!

Gran Evento!!!

Imperdible, no faltes!!!

Ideal para Regalo de Navidad!!!

AHORA EN MARTE UPMARKET!!!

LIBRO El Empleado Del Mes
Arte Contemporáneo Uruguay 2008

Precio 400 Uruguayos

Libro/objeto
90 páginas
Bilingüe español/inglés
17 x 17cm.
Todo a color
Tapa dura

Bien podría ser "el pequeño Empleado ilustrado", donde se repasa los diferentes proyectos desarrollados por este artista contemporáneo (?), desde su creación año 2002 (en plena crisis económica) hasta nuestros días....

Producido y editado por Javier Abreu

Imperdible!!! Internacional!!!

CUERPO

Osvaldo Salerno + Nicolás Spinosa + Cecilia Vignolo
Paraguay + España + Uruguay

Inauguración: Sábado 8 de noviembre – 12 hs.

Del 8 al 29 de noviembre - 2008
De lunes a viernes de 14 a 18 hs – Sábados de 11 a 15 hs


Apoya:

CUERPO

OSVALDO SALERNO

(…El obrar del arte contemporáneo se define mediante la institución de condiciones de mirada. ¿Qué se ofrece a la mirada para que entren a actuar los dispositivos del deseo? ¿Qué se muestra y qué se oculta?; es decir, ¿qué se oculta mostrando? Quizá todo el juego del arte -todo el complicado sistema de sus artificios- constituya básicamente un mecanismo perverso para sorprender a la mirada sustrayéndole su objeto, colocándolo en otro lado. Sólo así puede renovarse el itinerario de una búsqueda que se enardece -que resplandece- en torno al vacío de su propio tema.
Gran parte de la obra de Salerno trabaja las condiciones de representación; esa extraña maniobra que consiste en trastocar los lugares de la presencia y la ausencia y hacer de ese escamoteo un principio de inquietud y una operación –estética- de forma. Desde hace unos años, el artista trabaja la mostración directa del sexo masculino buscando desplazar sus complejos significados y sus asociaciones perturbadoras. Al colocar el sexo en el lugar de lo reprimido, la omisión se desliza a lo largo del lenguaje y sobresalta toda pretensión de enhebrar signos claros. ¿Dónde se oculta lo representado por la exhibición descarada? ¿Dónde ocurre la verdadera obscenidad cuando se expone lo que debe permanecer velado?
El zigzagueo freudiano del Fort/Da -lo que se muestra y lo que no- resume la economía del deseo e impulsa por ello el movimiento imaginario del arte. Pero este juego de escondidas no basta: el vacío queda investido de belleza sólo cuando logra negarse a sí mediante la apariencia. Salerno recurre a la ironía para extremar este expediente reflexionando sobre los nuevos temas que el mercado hace ingresar en los circuitos consagrados del arte. El sello Taschen constituye un paradigma de la sensibilidad mid-cult, que mueve pretenciosos libros de estética dedicados a “ser mirados” más que leídos. El libro The Big Penis Book del que parte Salerno no sólo forma parte de esta editorial, sino que se encuentra expuesto en la última Bienal de Sao Paulo -orientada precisamente a poner en imagen el vacío de la producción artística contemporánea.
Salerno fotografía dos ilustraciones de la revista -un hombre y una mujer mirando intensamente la opulencia del miembro propio o ajeno- y los confronta con ilustraciones de otros libros “para mirar” de donde extrae figuras de desnudos de Da Vinci y Durero. Son imágenes consagradas por la historia del arte, por la historia instituida de la mirada; pero en esta obra, los sexos y los ojos se encuentran tachados. Aparecen, se muestran, constituyen imágenes activas de la sustracción capaces de poner en entredicho la generosidad de lo mostrado en la primera imagen.
Algo debe ser censurado a la mirada para que pueda brillar la falta. Pero , a su vez, ésta sólo puede faltar desde el exceso de lo presente en otro lado. Da Vinci y Durero aparecen, por un instante, como artistas pornográficos y el libro de Taschen puede desplegar con inocencia desmesurados miembros nimbados de un aura mítica por un instante incautada… Ticio Escobar)

Osvaldo Salerno nació en 1952 en Asunción, Paraguay, en donde vive y trabaja. Es grabador, pintor, diseñador gráfico y promotor cultural. Ha realizado estudios de formación en Paraguay, España y Argentina. Se desempeña como director del Museo del Barro, del cual es fundador. Es Museólogo del Museo de la Justicia, dependiente de la Corte Suprema de Justicia. Ha participado en numerosas exposiciones individuales fuera y dentro del país. Ha obtenido varios premios en diseño gráfico y pintura. Su obra se encuentra representada en museos y colecciones de España, Chile, Irán, Estados Unidos, Argentina, Perú, Brasil, Colombia y Paraguay.

NICOLÁS SPINOSA

Aún en el cuerpo

“Y quiero saber si la esperanza era un compromiso con lo imposible” Clarice Lispector, La pasión según G.H.

El centro de la investigación en mi obra es un intento de reflexión en torno a aquello que desde lo humano está en el orden de lo imposible. Imposible en tanto experiencias o saberes que no pertenecen a la realidad sino que se inscriben en el campo de lo Real y que por tal no pueden ser apresados dentro de una lógica positivista y fáctica. Imposible en tanto eso que no puede ser dicho porque no tiene palabra que lo designe, pero que necesitamos descifrar porque de ello depende el sentido de nuestra existencia.
No se trata de reflexionar desde lo racional, sino desde el cuerpo. Desde el gesto que él produce y que como tal no permite obturación alguna sino simplemente una re-flexión, es decir abrir el juego de la palabra dejando que lo velado permanezca en lo sin respuesta.
Mi propuesta de trabajo busca encontrar “el gesto” que se articule en la obra e intente acercarse, atravesándolo, a una porción de lo Real. Atravesar lo Real o ser atravesado por él. Quitarle un velo, inscribirle una marca, desocultar y nombrar.
Lo imposible no está. Lo imposible no se ve. Lo imposible no se puede decir. Sin embargo, por ser humanos arrojados a ello, nos es necesario ponerle nombres. Podemos, y aún así, tenemos la certeza de haberlo apresado?
La morada de lo humano es ese imposible. Somos un imposible, imposible de develar, pero no obstante, el cuerpo, algo cree intuir…
Cuerpo-existencia. Cuerpo-muerte. Cuerpo-cuerpo. Osario de signos, campo de batalla en donde se manifiesta lo Real. Mediador y vehículo. Cuerpo productor y depositario de marcas que nos señalan que aquí estamos y allí estuvimos. Cuerpo-materia, pero también “cuerpo sin órganos”. Cuerpo que no sabe, pero que produce. Cuerpo-palabra. Cuerpo-habitar.
"Allì donde eso habla, goza, y no sabe nada”. Nicolás Spinosa

Nicolás Spinosa nace en Buenos Aires en 1974.
Se dedica a la actividad plástica desde temprana edad. En 1992 comienza sus estudios de Grado en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, obteniendo la Licenciatura en Pintura en 1996. Entre 1998-2000 realiza cursos de Doctorado en la Universidad de Barcelona. Además de su formación académica complementó su carrera realizando estudios de fotografía, estética y filosofía. Actualmente vive y trabaja entre Barcelona y Alemania. Expone en forma individual desde 1991 y colectivamente desde 1988 en Argentina, España, Italia, Suiza, Alemania, Uruguay. Ha recibido la Beca Reina Sofía; Ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales, 1998-2000. Sus obras se encuentran en las siguientes Colecciones: U. Bletschacher (Bonn) - G. Bletschacher (Bonn) - J.M.Basols (Barcelona) - N. Dualde (Barcelona) - J.P. Renard (Barcelona) - E. Serra Merckens (Barcelona) - J. Santandreu Doucet (Mallorca) - J. Rivolta-Espace Réservé (Genéve) - O. Kleiner (New York) - O. Mazzucchi (Firenze).

CECILIA VIGNOLO

Cecilia Vignolo por Rulfo (Raúl Alvarez)

“Por cada obra de arte que se hace física existen muchísimas variaciones que no llegan a serlo” Sol Le Witt.

Una obra poco pulcra, una pintura desabrida, descompuesta y una valija como tantas que hemos visto en tantas muestras. En una carta de Vignolo nos relata que ha sacado la pintura de la tela, ha despintado con su cuerpo parte de los pigmentos adheridos al lienzo…comenzamos a saber algo más. Nos muestra una valija donde se va a guardar, donde va a viajar…seguimos hilvanando otro poco. Antes que ella viajamos nosotros, vamos a la historia del arte a buscar anclaje, analogía, algo que nos permita legitimarla. ¿Cómo podríamos asentar su trabajo sin un Logos que nos permita sostenerla? Que herejía seria partir de cero ante una obra, tarea difícil por no asentir en su imposibilidad y tarea que necesitaría demasiado valor, valor infinito que no poseemos. Ir a la historia, hermosa tarea de todos nosotros los latinoamericanos, que lastre grande que tenemos, cada obra trae atada toda una historia que debe ser respetada también en su falta de respeto, toda una historia desencadenada a partir de la dialéctica Hegeliana, una historia de los relatos parricidas. ¿Y esa historia también no le acontece a la mujer? No es que cada paso femenino no trae por detrás un aliento a varón. Que plagado de Logos masculino, sí masculino, el Logos no es femenino, solo el lenguaje es femenino, pero eso aquí no importa.Vamos a la historia porque Vignolo nos llama a la misma, juega con eso, llama a Ives Klein para que dialoguemos. Aquí hay un juego de palabras: Klein no habla, su obra habla de si misma, de lo que Klein la obligo a hacer. Habla de un conjunto de acciones, de cómo usaba un soporte, unos materiales, un mecanismo, como manipulaba. Klein usa a la mujer como medio para transferir pintura a la tela, mas tarde en la tela quedará el registro de la acción y nos congraciaremos de un nuevo uso del lenguaje, entonces el campo del arte quedará agradecido.Vignolo “invierte” esta actitud, transformándose en legisladora y ejecutante/ejecutiva, decide y elabora la obra, reduce el mecanismo de Klein para mostrar lo misógino del Arte. La despigmentación opera como metáfora de toda la historia del Arte. ¿Cómo hacer para construir el arte desde el comienzo si no se despinta por completo? Pero Vignolo no traduce un discurso fuerte, propio de los últimos coletazos del arte moderno, lo hace con fuerza, con energía pero sabiendo que el poder de su obra esta no en despintar por completo el lienzo, sino quitando hasta donde su cuerpo lo permita. Que tarea titánica, que valor el de esta mujer al momento de inferir un discurso, casi aproximada a un discurso político, que desvinculada de todo esencialismo de género. Qué problema este, discute a la par con el proyecto del Nuevo realismo francés, desde aquí, anacrónicamente y sin respetar el poder de la sintaxis pictórica que garantice la belleza del cuadro. Pero tampoco puede hacerlo, que contradictorio seria hacer un cuadro bello cuando la esencia se desvanece tras el desvelamiento del mecanismo de poder que opera tras las antropometrías del francés.Vignolo sale de la dialéctica del parricidio, no usa a un hombre para repetir lo mismo, para invertir a Klein, no invierte un silogismo, juega en el borde del pensamiento, lo hace con debilidad pero sin titubeos, da un paso más allá de la modernidad. Deconstruye el proceso no solo para mostrar el dominio, si no para erguirse como gestora de sus propios actos. Habla con las historia, viaja en el tiempo, viaja en su cuerpo para descubrir nuestra fascinación por ir hacia los centros hegemónicos del arte, yendo al origen.Para Klein lo importante es la acción, origen de un registro plástico, bello; para Vignolo la belleza es secundaria, sabe que la belleza en el arte es también un constructo masculino sobre lo ideal, la perfección, la simetría, el orden. Vignolo solo deja rastro de su actitud, cuanta verdad descubre, cuanta verdad es vista tras la pintura que se pierda por el arrastre que hace su cuerpo. El cuerpo es su herramienta, como no descifrar de esta acción el disgusto a como al hombre construye el cuerpo del otro, el cuerpo de la mujer. Como nos descifrar que esta artista descubre que el arte y el hombre son los que ejerce el poder del logos que la encierra. Por eso se encierra en esa valija, para protegerse, para quedar a oscuras, sin luz no hay visión y por lo tanto tampoco logos. Como volver a la caverna, ahí ella no se oculta de los demás, nosotros nos ocultamos de ella. Su cuerpo, su valija, su viaje en la historia se concatena desplegando un entramado simbólico por el que estamos habituados a correr a recorrer. Donde se puede estar más alejado de la palabra del padre sino es en el propio cuerpo, ¿que hay más alejado de lo trascendente que el uso del propio cuerpo?, ¿Dónde hay mas vivencia que ahí?. Que asombrosa falta de respeto de esta mujer a Klein, al patriarcado, a la historia, que falta de miedo a toda hegemonía.

Cecilia Vignolo ha producido desde el plano (pintura y grabados), el volumen (escultura en cerámica, metal, ahora mármol), el espacio (instalaciones e intervenciones), el texto (libros de artista, poemas, ensayos, narrativa), el audiovisual (video, audio) y el cuerpo (performances). Ha expuesto desde 1991 e individualmente desde 1995, en Uruguay, Brasil Argentina, Ecuador, EEUU, Francia, España y Suecia.Ha participado de las Bienales MERCOSUR (1999), St. Etienne (2002) y Pontevedra (2006).Dicta talleres, clínicas y conferencias. Ha ganado distintos premios y menciones, destacándose el Primer Premio Eduardo Víctor Haedo del Salón Nacional de Artes Visuales, María Freire (2006).

Los esperamos!!!

MYG

Nueva muestra en Marte Upmarket!!!

Et in Arcadia Ego

Pinturas de Alejandra Santos

Curaduría: Soledad Hernández Montañés
Textos: Soledad Hernández Montañés y Roberto Echavarren

INAUGURACIÓN: Sábado 18 de octubre - 12 hs.

Del 18 de 0ctubre al 1 de noviembre - 2008
De lunes a viernes de 14 a 18 hs. - Sábados de 11 a 15 hs.
Por visitas fuera de horario concertar cita al 099 485 309.





Et in Arcadia Ego.
La referencia más cercana es el cuadro de Nicolás Poussin, del mismo nombre. Pero el misterio persiste. Yo también estuve en la Arcadia, yo también disfruté de la vida, parecería querer decir, y eso está escrito en la lápida. Se trata de un memento mori: nos recuerda que moriremos, y hay un cierto consenso en que por contraposición nos recuerda que podemos utilizar de buena manera la vida que nos queda para ser mejores.

Escribí "cierto consenso" porque Et in Arcadia Ego constituye un enigma, con una variedad de interpretaciones. Me gustaría pensar que tantas como las lecturas de este conjunto de obras que Alejandra Santos presenta. El título estaba elegido desde hace más de 10 años y son siete las obras que la artista pensó que más se acercan a representar el concepto y su personal elaboración del mismo, con raíces en su propia vida, en la que practica una forma específica de autoconocimiento.

Alejandra hace 14 años que pinta, diariamente, durante todas las horas que puede, y por lo general en la mañana. Descarta muchísimo más de lo que guarda en su taller o en depósitos y, de lo que permanece, hasta ahora solamente se han hecho públicas, con su firma, ocho pinturas. Pinta al óleo, de primera intención, y por capas sucesivas, mojado sobre seco, lo que implica un proceso muy lento en la elaboración. No obstante, esta manera de pintar es implacable ya que muy rápidamente la artista se da cuenta cuando una obra ya no sirve a su idea, al refinado y minucioso boceto mental que de la pintura terminada tiene. De allí que este grupo de obras es el resultado de un proceso de búsqueda técnica y temática que sirva al objetivo del concepto elegido.

Al objetivo, con su carga intelectual, se suma el impulso de pintar. Y Alejandra puede precisar exactamente dónde y cuándo comenzó, cuál fue el disparador: hace unos 35 años Alejandra fue de visita a la casa de una compañera de liceo, en Maldonado. Inés Olmedo la había invitado ya no recuerda si a hacer los deberes, estudiar o simplemente charlar. Allí había una reproducción no muy grande del Discóbolo y, al lado, un estudio del mismo, en carbonilla, que Alejandra recuerda espléndido, hecho por Inés. Esto es dibujar, pensó Alejandra, y allí le surgió ese impulso que hasta hoy siente, ya encarnado en una necesidad de pintar. De pintar lo que le interesa, sobre los temas que siente que su pintura le sirve para expresar.

En este caso el objetivo es la representación de Et in Arcadia Ego, la mejor posible en versión de Alejandra Santos y sin perder de vista jamás ese objetivo. Me resultó muy característico de Alejandra, y a la prueba está que profético, que cuando dio inicio al diario o bitácora que ha llevado en estas casi dos décadas de estudio y práctica de la plástica, haya escrito en la primera página: “De profesión: pintora."
Soledad Hernández Montañés


Sobre las pinturas de Alejandra Santos
Las pinturas de Alejandra Santos me hacen acordar de las nereidas, el movimiento acuático de sus cabellos, el enroscamiento de sus cabellos en la dinámica descongelada de las Gorgonas. El cabello enrulado es la nota de movimiento de sus figuras de otro modo latentes. Algo se intima en estas figuras de matronas inmóviles. Emanan una vibración cálida de sus amarillos y sus oros, una combustión interna que se hace emblema en la salamandra que transita las pieles, las paredes y los muebles de estas pinturas. Estos desnudos, estas matronas, descolocan nuestra expectativa – con respecto a la belleza del desnudo femenino - y nos intiman la presencia de un enigma mudo, de una vibración silenciosa. En algunas telas, estos cuerpos se duplican. ¿Mera duplicación en el espejo, o relación intersubjetiva con un doble, una amiga, una amante, dentro de una relación erótica? A veces los cuerpos se cruzan, las cabezas se combinan. Una mujer dice algo a la oreja de otra. Dice pero no dice. O no lo dice aún. ¿Qué pasa entre ellas? ¿Es una frase de reproche? ¿Es que una arde menos que la otra? El título (“Judas”) sugiere la duplicidad y la traición. En las pinturas de Alejandra Santos, trabajadas pacientemente por sucesivas capas de color, estas presencias de cuerpos femeninos son autosuficientes. Parece que no necesitan de nadie más. Se concentran en arder. Sólo necesitan su propia combustión, su propio ardor, para comunicar al que observa una intensidad tan firme, tan duradera como la del sol.
Roberto Echavarren

Muchas gracias a todos los que nos acompañaron en ese día y a lo largo de toda la muestra!!!
En especial a Alejandra, Soledad y María Inés!!!




Mercedes Bustelo, Alejandra Santos y Gustavo Tabares

Soledad Hernández, Alejandra Santos y Elsa Mesa

Alejandro Santos mostrando su obra

En la vereda

Águeda Di Cancro y María Clara Rossi

Alejandra Santos



Carlos Engelman, Clara Ost y Teresa Puppo

Mónica Packer y María Inés Strasser

María Minetti y Margaret Whyte


Los esperamos!!!!